So erstellen Sie ein musikalisches Kunstwerk – wikiHow

2024 Autor: Jason Gerald | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 11:03

Das erste entdeckte Musikinstrument war vor 35.000 Jahren die Knochenflöte, obwohl die Menschen schon lange zuvor gesungen haben. Im Laufe der Zeit wächst das Verständnis dafür, wie Musik gemacht wird. Während Sie nicht alles über Tonleiter, Rhythmus, Melodie und Harmonie verstehen müssen, um ein musikalisches Kunstwerk zu schaffen, wird Ihnen das Verständnis einiger Konzepte helfen, Musik mehr zu schätzen und bessere Songs zu machen.

Schritt

Teil 1 von 4: Klänge, Noten und Tonleitern

Schritt 1. Verstehe den Unterschied zwischen „Pitch“und „Note“

''''' Dieser Begriff beschreibt die Klangqualität von Musik. Obwohl die beiden Begriffe verwandt sind, werden sie unterschiedlich verwendet.

"Tonhöhe" bezieht sich auf die niedrige oder hohe Frequenz des Tons. Je höher die Frequenz, desto höher die Tonhöhe. Der Frequenzunterschied zwischen zwei Tonhöhen wird als „Intervall“bezeichnet.
"Nicht" ist die Tonhöhe der Tonhöhe. Die übliche Frequenz für Töne zwischen A und C ist 440 Hertz, aber einige Orchester verwenden einen anderen Standard, z. B. 443 Hertz, um einen klareren Klang zu erzielen.
Die meisten Leute können feststellen, ob eine Note am besten spielt, wenn sie mit einer anderen Note oder in einer Reihe von Noten in einem ihnen bekannten Lied kombiniert wird. Dies wird als "relative Tonhöhe" bezeichnet. In der Zwischenzeit haben nur wenige Menschen "absolute Tonhöhe" oder "perfekte Tonhöhe", dh die Fähigkeit, eine Note zu identifizieren, ohne auf ihre Referenz zu hören.

Schritt 2. Verstehe den Unterschied zwischen „Timbre“und „Ton“

„““Dieser Begriff wird häufig für Musikinstrumente verwendet.

„Timbre“ist eine Kombination aus Haupt- (Grundton) und Grundton (Oberton), die ertönen, wenn ein Musikinstrument eine Note spielt. Wenn Sie auf einer Akustikgitarre ein tiefes E anschlagen, hören Sie nicht nur das tiefe E, sondern auch die zusätzlichen Noten, die sich aus dieser tiefen E-Frequenz ergeben. Die Kombination dieser Klänge wird als "Harmonik" bezeichnet und unterscheidet den Klang eines Musikinstruments von anderen Musikinstrumenten.
„Ton“ist ein vages Wort. Dies bezieht sich auf die Wirkung der Kombination der Haupt- und Hintergrundtöne auf das Ohr des Hörers, die durch die hohen Harmonien einer Note im Timbre hinzugefügt werden, was zu einem helleren oder schärferen Ton führt. Wenn es jedoch reduziert wird, wird der reduzierte Ton weicher.
„Ton“bezieht sich auch auf das Intervall zwischen zwei Noten, das auch als voller Anschlag bezeichnet wird. Die Hälfte des Intervalls wird als „Halbton“oder Halbton bezeichnet.

Schritt 3. Benennen Sie die Notiz

Musiknoten können auf verschiedene Weise benannt werden. In den meisten westlichen Ländern werden zwei Methoden verwendet.

Buchstabennamen: Noten innerhalb einer bestimmten Häufigkeit werden Buchstabennamen zugewiesen. In englisch- und niederländischsprachigen Ländern sind die Noten von A bis G geordnet. Im deutschsprachigen Raum wird "B" für B-Noten (die schwarzen Klaviertasten zwischen A und H) und der Buchstabe "H" verwendet. ist für B-Dur bestimmt (weiße B-Taste auf dem Klavier).
Solfeggio (allgemein „Solfege“oder „Sofeo“genannt): Dieses System ist Fans von „The Sound of Music“bekannt, da es einer Note einen einsilbigen Namen zuweist, basierend auf ihrer Position auf der Tonleiter. Dieses System wurde von einem Mönch namens Guido d'Arezzo aus dem 11. Im Laufe der Zeit wurde "ut" durch "do" ersetzt, dann wurde "sol" durch "so" und "ti" durch "si" ersetzt (einige Länder verwenden den Namen Solfeggio auf die gleiche Weise wie das Buchstabensystem in Western Länder.).

Schritt 4. Ordnen Sie die Notenreihenfolge in der Tonleiter an

Eine Tonleiter ist eine Folge von Intervallen zwischen verschiedenen Tonhöhen, die so angeordnet sind, dass die höchste Tonhöhe einen Abstand von der doppelten Frequenz der tiefsten Tonhöhe hat. Diese Tonhöhe wird Oktave genannt. Die folgenden sind gängige Skalen:

Die vollchromatische Tonleiter verwendet 12 Halbtonintervalle. Das Spielen einer Oktave des Klaviers von C bis zu einem höheren C und das Klingeln der weißen und schwarzen Tasten dazwischen erzeugt eine chromatische Tonleiter. Eine andere Skala ist eine eingeschränktere Form dieser Skala.
Die Dur-Tonleiter verwendet sieben Intervalle: Der erste und der zweite sind Volltöne; dritte ist halber Schritt; vierte, fünfte und sechste sind Volltonschritte und siebente Halbtonschritte. Eine Oktave auf dem Klavier von C bis C zu spielen, indem nur die weißen Tasten klingeln, ist ein Beispiel für eine Dur-Tonleiter.
Die Moll-Tonleiter verwendet ebenfalls sieben Intervalle. Die übliche Form ist die natürliche Moll-Tonleiter. Das erste Intervall ist ein Vollton, das zweite ein Halbton, das dritte und vierte ein Vollton, das fünfte ein Halbton, dann das sechste und siebte ein Vollton. Eine Oktave auf dem Klavier von tiefem A bis A zu spielen und nur die weißen Tasten zu läuten, ist ein Beispiel für eine Moll-Tonleiter.
Die pentatonische Tonleiter verwendet fünf Intervalle. Das erste Intervall ist ein Vollton, das nächste drei Halbtöne, das dritte und vierte Vollton und das fünfte drei Halbtöne (in der Tonart C sind die Noten C, D, F, G, A, dann zurück zu C). Sie können auch die pentatonische Tonleiter spielen, indem Sie einfach die schwarze Taste zwischen C und hohem C auf dem Klavier drücken. Die pentatonische Tonleiter wird häufig in der afrikanischen, ostasiatischen und indianischen Musik sowie in der Volks- / Volksmusik verwendet.
Die tiefste Note einer Tonleiter wird als „Tonart“bezeichnet. Normalerweise ist die letzte Note in einem Lied der Grundton des Liedes; Lieder, die in der Tonart C geschrieben sind, enden normalerweise in der Tonart C. Die Tonartnamen hängen normalerweise vom Bereich der Spielskala des Liedes (Dur oder Moll) ab; Wenn die Tonleiter nicht benannt ist, wird sie normalerweise sofort als Durtonleiter betrachtet.

Schritt 5. Verwenden Sie scharfe und Maulwürfe, um die Tonhöhe zu erhöhen und zu senken

Sharps und Maulwürfe erhöhen und senken die Tonhöhe um einen halben Schritt. Sharps und Maulwürfe sind sehr wichtig, wenn andere Tonarten als C-Dur oder A-Moll gespielt werden, um das Intervallmuster der Dur- und Moll-Tonleitern korrekt zu halten. Schärfe und Maulwürfe werden auf musikalischen Linien in Zeichen geschrieben, die als Vorzeichen bezeichnet werden.

Das scharfe Symbol wird normalerweise mit dem Zaunsymbol (#) geschrieben, das nützlich ist, um den Ton um eine halbe Stufe anzuheben. In den Tonarten G-Dur und E-Moll wird das F um einen halben Schritt angehoben, um zu einem scharfen F zu werden.
Das Maulwurfsymbol wird normalerweise mit dem Symbol „b“geschrieben, das nützlich ist, um die Tonhöhe um einen halben Schritt abzusenken. In den Tonarten F-Dur und d-Moll wird H um einen halben Schritt abgesenkt, um zu einem H-Moll zu werden.
Um das Notenlesen zu erleichtern, gibt es in den Noten immer einen Hinweis, bei welchen Tonarten immer Noten angehoben oder abgesenkt werden sollen. Das Vorzeichen sollte für Noten außerhalb der Dur- oder Moll-Tonart des geschriebenen Songs verwendet werden. Solche Vorzeichen werden nur für bestimmte Noten verwendet, bevor eine vertikale Linie den Rhythmus trennt.
Das natürliche Symbol, das wie ein Parallelogramm aussieht, mit vertikalen Linien, die von den beiden Linien nach oben und unten verlaufen, wird vor jeder zu erhöhenden oder zu senkenden Note verwendet, um anzuzeigen, dass die Note nicht im Lied platziert werden soll. Natürliche Symbole werden nie in Tastensymbolen angezeigt, aber sie können den Knack- oder Maulwurfeffekt im Rhythmus des Songs aufheben.

Teil 2 von 4: Beats und Rhythmus

Schritt 1. Verstehen Sie den Unterschied zwischen „Beat“, „Rhythmus“und „Tempo“

„““Zwischen diesen Begriffen besteht ein Zusammenhang.

Beat“bezieht sich auf die einzelnen Beats in der Musik. Ein Beat kann als klingende Note oder als Pause bezeichnet werden. Beats können in mehrere Noten unterteilt werden, oder mehrere Beats können in einzelne Noten oder in Pausen platziert werden.
„Rhythmus“ist eine Abfolge von Beats oder Rhythmen. Der Rhythmus wird dadurch bestimmt, wie Noten und Pausen in einem Song angeordnet sind.
"Tempo" bezieht sich darauf, wie schnell oder langsam ein Song gespielt wird. Je schneller das Tempo eines Songs bedeutet, desto mehr Beats pro Minute. „The Blue Danube Waltz“hat ein langsames Tempo, während „The Stars and Stripes Forever“ein schnelles Tempo hat.

Schritt 2. Beats zu Rhythmen gruppieren

Rhythmus ist eine Sammlung von Beats. Jeder Beat hat die gleiche Anzahl von Beats. Die Anzahl der Schläge pro Schlag ist ein Hinweis auf die geschriebene Musik mit Zeitstempeln, die wie Brüche aussehen, ohne die Linie, die den Zähler und Nenner bestimmt.

Die obige Zahl gibt die Anzahl der Schläge pro Schlag an. Die Zahlen sind normalerweise 2, 3 oder 4, manchmal aber auch 6 oder höher.
Die untenstehenden Zahlen geben den Notentyp an, der einen vollen Beat erhält. Wenn die untere Zahl 4 ist, erhält die Viertelnote (sieht aus wie ein offenes Oval mit einer angehängten Linie) einen vollen Taktschlag. Wenn die Zahl darunter 8 ist, bekommt die Achtelnote (sieht aus wie eine Viertelnote mit der angebrachten Flagge) einen vollen Schlag.

Schritt 3. Suchen Sie nach gestressten Beats

Der Rhythmus wird abhängig von der Art des gedrückten Beats und nicht vom Rhythmus eines Songs bestimmt.

Bei vielen Songs wird der Beat auf den ersten Beat oder am Anfang des Songs gedrückt. Die restlichen Beats oder Upbeats werden nicht betont, obwohl in einem Vier-Beat-Song der dritte Beat betont werden kann, jedoch in geringerem Maße als der Downbeat. Hervorgehobene Beats werden manchmal auch als starke Beats bezeichnet, während unbetonte Beats manchmal als schwache Beats bezeichnet werden.
Einige Songs treffen den Beat statt am Anfang des Songs. Diese Art der Betonung wird als Synkope bezeichnet, und ein stark unterdrückter Schlag wird als Rückschlag bezeichnet.

Teil 3 von 4: Melodie, Harmonie und Akkord

Schritt 1. Verstehen Sie das Lied anhand seiner Melodie

„Melodie“ist eine Reihe von Noten in einem Lied, die die Leute deutlich hören können, basierend auf der Tonhöhe der Noten und dem gespielten Rhythmus.

Die Melodie besteht aus verschiedenen Phrasen, die den Rhythmus des Songs bilden. Die Phrase kann wie im Weihnachtslied "Deck the Halls" während der gesamten Melodie wiederholt werden, wobei die erste und zweite Zeile des Liedes dieselbe Notenfolge verwenden.
Die Struktur eines melodischen Standardliedes ist normalerweise eine Melodie für eine Strophe und eine entsprechende Melodie im Refrain oder Refrain.

Schritt 2. Kombinieren Sie Melodien und Harmonien

„Harmonie“ist eine Note, die außerhalb der Melodie gespielt wird, um den Klang zu verstärken oder entgegenzuwirken. Wie bereits erwähnt, erzeugen viele Saiteninstrumente beim Anschlagen mehrere Noten; Zusätzliche Töne, die mit dem Grundton klingen, sind eine Form der Harmonie. Harmonie kann mit musikalischen Akkorden erreicht werden.

Harmonien, die einen melodischen Klang verstärken, werden "Konsonanten" genannt. Die zusätzlichen Noten, die zusammen mit der Basisnote erklingen, wenn die Gitarrensaiten gezupft werden, sind eine Form der Konsonantenharmonie.
Harmonien, die der Melodie entgegengesetzt sind, werden als „Dissonanten“bezeichnet. Dissonante Harmonien können durch gleichzeitiges Spielen entgegengesetzter Melodien erzeugt werden, beispielsweise beim Singen von "Row Row Row Your Boat" in einem großen Kreis, wobei jede Gruppe es zu einem anderen Zeitpunkt singt.
Viele Lieder verwenden Dissonanzen, um unruhige Gefühle auszudrücken und allmählich zu konsonanter Harmonie zu führen. Im obigen Lied "Row Row Row Your Boat" wird das Lied beispielsweise leiser, wenn jede Gruppe die letzte Strophe singt, bis die letzte Gruppe den lyrischen Teil "Life is but a dream" singt.

Schritt 3. Stapeln Sie Noten, um Akkorde zu generieren

Ein Akkord entsteht, wenn drei oder mehr Töne erklingen, normalerweise gleichzeitig, aber nicht immer so.

Die am häufigsten verwendeten Akkorde sind Dreiklänge (die aus drei Noten bestehen), wobei jede nachfolgende Note zwei Noten höher ist als die vorherige. In einem C-Dur-Akkord sind die darin enthaltenen Noten C (als Grundlage des Akkords), E (Dur-Dur) und G (Fünfte-Dur). In c-Moll-Akkorden wird E durch ein scharfes E (dritte Moll) ersetzt.
Ein weiterer häufig verwendeter Akkord ist die Septime (7.), wobei dem Dreiklang eine vierte Note hinzugefügt wird, die die siebte Note der Basisnote ist. Der C-Dur-7-Akkord fügt dem C-E-G-Dreiklang ein B hinzu, um die C-E-G-B-Sequenz zu bilden. Der Septakkord klingt dissonanter als der Dreiklang.
Es ist möglich, für jede Note in einem Song einen anderen Akkord zu verwenden; So entsteht eine Harmonie im Stil eines Barbershop-Quartetts. Akkorde werden jedoch normalerweise mit den darin enthaltenen Noten gepaart, z. B. beim Spielen eines C-Dur-Akkords, um die E-Note in einer Melodie zu begleiten.
Viele Lieder werden mit nur drei Akkorden gespielt, wobei die Grundakkorde auf der Skala der erste, vierte und fünfte sind. Dieser Akkord wird durch die römischen Ziffern I, IV und V dargestellt. In der Tonart C-Dur wären es C-Dur, F-Dur und G-Dur. Manchmal wird der Septakkord durch einen V-Dur- oder Moll-Akkord ersetzt, so dass beim Spielen von C-Dur der V-Akkord zu G-Dur 7 wird.
Die Akkorde I, IV und V sind zwischen den Tasten miteinander verbunden. Der F-Dur-Akkord ist der IV-Akkord in der Tonart C-Dur, der C-Dur-Akkord ist der V-Akkord in der Tonart F-Dur. Der G-Dur-Akkord ist der V-Akkord in der Tonart C-Dur, aber der C-Dur-Akkord ist der IV-Akkord in der Tonart G-Dur. Die Beziehungen zwischen diesen Tonarten setzen sich in anderen Akkorden fort und werden in einem Diagramm dargestellt, das als Quintenzirkel bezeichnet wird.

Teil 4 von 4: Arten von Musikinstrumenten

Schritt 1. Schlagen Sie die Percussion an, um Musik zu produzieren

Schlaginstrumente gelten als die ältesten Musikinstrumente. Die meisten Percussions werden verwendet, um Rhythmus zu erzeugen und aufrechtzuerhalten, obwohl einige Percussion Melodien oder Harmonien erzeugen können.

Schlaginstrumente, die durch Schwingung des ganzen Körpers Töne erzeugen, werden Idiophone genannt. Dies sind Musikinstrumente, die zusammen geschlagen werden, wie Becken und Kastanien, und Musikinstrumente, die mit anderen Instrumenten wie Trommeln, Triangeln und Xylophonen geschlagen werden.
Schlaginstrumente mit einer "Haut" oder "Kopf", die beim Anschlagen vibriert, werden Membranophone genannt. Musikinstrumente mit Trommeln wie Pauken, Tom-Toms und Bongos. Ebenso bei Musikinstrumenten, an denen Saiten oder Stöcke befestigt sind und beim Ziehen oder Reiben vibrieren, wie z. B. Löwengebrüll oder Cuica.

Schritt 2. Blase ein Blasinstrument, um Musik zu machen

Blasinstrumente erzeugen beim Anblasen einen vibrierenden Klang. Normalerweise gibt es viele verschiedene Löcher, um verschiedene Töne zu erzeugen, daher eignet sich dieses Instrument zum Einspielen von Melodien oder Harmonien. Blasinstrumente werden in zwei Arten unterteilt: Flöten und Zungenpfeifen. Die Flöte erzeugt einen Klang, wenn sie ihren ganzen Körper in Schwingung versetzt, während die Zungenpfeife das Material in ihrem Körper in Schwingung versetzt, um Klang zu erzeugen. Diese beiden Instrumente werden weiter in zwei Untertypen unterteilt.

Eine offene Flöte erzeugt einen Klang, indem sie den Luftstrom aufbricht, der am Ende des Instruments geblasen wird. Konzertflöten und Panflöten sind Beispiele für Arten von offenen Flöten.
Die geschlossene Flöte erzeugt Luft in den Pfeifen des Instruments, wodurch das Instrument vibriert. Blockflöten und Pfeifenorgeln sind Beispiele für geschlossene Flöten.
Einrohrblattinstrumente platzieren das Blatt auf dem Instrument, wo es geblasen wird. Beim Anblasen vibriert das Rohrblatt die Luft im Inneren des Instruments, um einen Klang zu erzeugen. Klarinette und Saxophon sind Beispiele für Einrohrblattinstrumente (obwohl der Saxophonkörper aus Messing besteht, gilt das Saxophon immer noch als Blasinstrument, da es ein Rohrblatt zur Tonerzeugung verwendet).
Bei Musikinstrumenten mit doppeltem Rohrblatt werden zwei Rohrblätter verwendet, die am Ende des Instruments aufgewickelt sind. Instrumente wie Oboe und Fagott legen die beiden Stimmzungen direkt auf die Lippen des Gebläses, während Instrumente wie Krummhorn und Dudelsack die Stimmzungen bedecken.

Schritt 3. Blasen Sie mit geschlossenen Lippen auf ein Blechblasinstrument, um einen Ton zu erzeugen

Im Gegensatz zu Flöten, die auf den Luftstrom angewiesen sind, vibrieren Blechblasinstrumente mit den Lippen des Gebläses, um Klang zu erzeugen. Blasinstrumente werden so genannt, weil viele von ihnen aus Messing bestehen. Diese Instrumente sind nach ihrer Fähigkeit gruppiert, den Klang zu ändern, indem die Entfernung geändert wird, durch die die Luft ausströmt. Dies geschieht mit zwei Methoden.

Posaune verwendet einen Trichter, um den Luftstromabstand zu ändern. Das Herausziehen des Mundstücks verlängert den Abstand und senkt die Tonhöhe. In der Zwischenzeit wird der Ton erhöht, wenn die Entfernung näher gebracht wird.
Andere Blechblasinstrumente wie Trompeten und Tubas verwenden Ventile in Form von Kolben oder Tasten, um den Luftstrom innerhalb des Instruments zu verlängern oder zu verkürzen. Diese Ventile können einzeln oder in Kombination gedrückt werden, um den gewünschten Klang zu erzeugen.
Flöten und Blechblasinstrumente werden oft als Blasinstrumente angesehen, weil sie geblasen werden müssen, um Klang zu erzeugen.

Schritt 4. Vibrieren Sie die Saiten eines Saiteninstruments, um einen Klang zu erzeugen

Die Saiten eines Saiteninstruments können auf drei Arten schwingen: gezupft (auf der Gitarre), angeschlagen (wie beim Hackbrett) oder geschlagen (mit dem Bogen auf der Geige oder dem Cello). Saiteninstrumente können verwendet werden, um einen Rhythmus oder eine Melodie zu begleiten und können in drei Kategorien eingeteilt werden:

Die Harfe ist ein Saiteninstrument mit einem Resonanzkörper und einem Hals, wie es bei Geigen, Gitarren und Banjos der Fall ist. Es gibt Saiten gleicher Größe (außer den tiefen Saiten im fünfsaitigen Banjo) unterschiedlicher Dicke. Dickere Saiten erzeugen tiefere Töne, während dünnere Saiten höhere Töne erzeugen. Die Saiten können an mehreren Stellen gestielt werden, um die Tonhöhe zu erhöhen oder zu senken.
Die Harfe ist ein Saiteninstrument, dessen Saiten an einem Skelett befestigt sind. Die Saiten auf der Harfe sind vertikal angeordnet und werden mit jeder Folge kürzer. Der untere Teil der Harfensaite ist mit dem Resonanzkörper oder dem Resonanzboden verbunden.
Sitar ist ein am Korpus montiertes Saiteninstrument. Die Saiten können angeschlagen oder gezupft werden, wie bei einer Harfe, oder direkt wie bei einem gehämmerten Hackbrett oder indirekt wie bei einem Klavier.

Anregung

Die natürlichen Dur- und Moll-Tonleitern hängen in der Tatsache zusammen, dass die Moll-Tonleiter zweier Grundnoten niedriger ist als die Dur-Tonleiter, wodurch die gleichen Noten schärfer oder abgeflacht werden. Somit haben die Tonarten von C-Dur und A-Moll, die keine scharfen/flachen Töne verwenden, dieselben Tonarteneigenschaften.
Bestimmte Musikinstrumente und Kombinationen anderer Musikinstrumente werden mit bestimmten Musikarten in Verbindung gebracht. Zum Beispiel wird ein Streichquartett mit zwei Violinen, einer Bratsche und einem Cello normalerweise verwendet, um klassische Musik namens Kammermusik zu spielen. Jazzbands produzieren typischerweise Rhythmen auf Schlagzeug, Klavier, möglicherweise zwei Bässen oder Tuba und Trompete, Posaune, Klarinette und Saxophon. Ein paar Songs mit Instrumenten zu spielen, die anders verwendet werden, als sie sein sollten, kann Spaß machen, wie auch „Weird Al“Yankovic. Seine Rocksongs spielt er mit dem Akkordeon im Polka-Stil.